A produção encanta visualmente com um cenário que remete ao interior de um piano e silhuetas do Rio de Janeiro. O musical brilha pela integração cuidadosa do espírito da bossa nova em todos os detalhes do musical. Além disso, conta com uma coreografia fluida e figurinos bem construídos que adicionam dinamismo e contexto às cenas.
Assistir Tom Jobim Musical é desfrutar de uma homenagem sincera e bem construída a um grande ícone da música brasileira.
Fui assistir a Tom Jobim com um viés: queria muito gostar. É bom, mas não é “o que eu esperava”, e expectativa gera frustração. Ainda assim, recomendo a experiência… É uma excelente oportunidade de celebrar a história de um dos grandes nomes da música brasileira.
Tom Jobim Musical mostra uma sofisticação discreta, criando uma atmosfera que verdadeiramente reflete a essência da bossa nova. A produção é visualmente atraente e tem vocais belíssimos, ou seja, no geral é uma experiência muito agradável.
Coreografia está irretocável: interessante e bem executada. Sem mais.
O figurino merece destaque pelo cuidado como retrata os personagens e atenção aos detalhes e contexto da época. Chama atenção especialmente o trabalho feito com o figurino do ensemble. Ele adiciona fluidez e movimento às cenas, enriquecendo visualmente toda a experiência do espetáculo.
O Cenário é lindo. Ele possui estruturas de madeira que representam a parte interna do piano, enquanto criam a silhueta da cidade do Rio de Janeiro. Tem uma vírgula: um círculo branco que é usado em projeções de algumas cenas. Confesso que achei desnecessário. As projeções cortam a sutileza das cenas com imagens realistas que quebram a elegância e delicadeza da cena sem adicionar um contexto muito relevante.
Montar um musical sobre músicos é um super desafio, já que as canções originais não foram feitas pensando em uma narrativa teatral. Integrar as músicas de Tom Jobim para contar sua história exige cuidado para respeitar o legado artístico e manter o ritmo narrativo. Dito isso, o roteiro não me envolveu completamente: o primeiro ato, embora bonito, é um pouco monótono. O segundo ato ganha ritmo e é bem mais interessante. Destaque especial para a cena do divórcio, muito bem construída e que mostra claramente como música e narrativa podem caminhar juntas para construir algo único.
No fim, saí do teatro com a sensação de ter vivido uma experiência agradável. Não é a montagem mais impactante que já vi, mas tem muitos méritos e faz jus à grandiosidade de Tom Jobim.
“Tipos de musical”… Parecia algo óbvio e simples, mas entrei em uma espiral sem fim de “por período”, “por estilo”, “deveria incluir opera?”, “tipos não incluem versões, mas é uma distinção importante”. Então vamos fazer um apanhado geral, mas que começar a dar um “norte”, e traz luz a alguns aspectos interessantes a serem observados.
[Alguns] Tipos de Musical 🎭
Book Musicals (Musical de livreto/tradicional)
Musicais que seguem uma estrutura narrativa bem definida, onde as músicas e danças são integradas ao enredo para desenvolver a história e os personagens.
– Estrutura narrativa linear e coesa, semelhante a uma peça de teatro tradicional. – Canções e números musicais impulsionam o enredo e aprofundam os personagens. – Geralmente incluem diálogos falados entre as músicas. – São a base do musical integrado, onde todos os elementos artísticos servem à história.
Exemplos: Les Misérables, Wicked, Dear Evan Hansen
Jukebox Musical
Aqui, as músicas já existem e são famosas antes mesmo do espetáculo ser criado. Geralmente, são sucessos de uma banda ou artista, e o enredo é desenvolvido para encaixar essas músicas.
– Trilha sonora composta por músicas previamente conhecidas. – Pode seguir uma narrativa original ou contar a história real de um artista/grupo. – Apelo nostálgico, muitas vezes voltado para fãs do repertório musical. – Grande foco na performance das músicas, podendo priorizar hits sobre a trama.
Exemplos: Mamma Mia! (ABBA), We Will Rock You (Queen) e Moulin Rouge!.
Moulin Rouge, act 2 scene with Bad Romance from Lady Gaga
Diferente dos musicais tradicionais, onde há alternância entre falas e músicas, nos sung-through musicals quase todo o enredo é contado por meio das canções. O diálogo falado é mínimo ou inexistente, tornando a música o principal meio de narração e desenvolvimento dos personagens.
– Pouca ou nenhuma fala, com a narrativa construída exclusivamente através da música. – Estrutura próxima à ópera, mas com estilos variados, incluindo pop, rock e hip-hop. – Canções interligadas, muitas vezes recorrentes ao longo da trama. – Maior fluidez narrativa, sem pausas abruptas para diálogos convencionais.
Exemplos: Les Miserables, Evita, Hamilton
Hamilton (disponível no Disney+)
Musical Conceitual
Neste tipo de musical, a história pode ser mais abstrata ou não seguir uma narrativa linear. Muitas vezes, o espetáculo explora temas ou conceitos específicos por meio da música e da encenação.
– A história pode ser não-linear ou fragmentada, explorando diferentes perspectivas. – Muitas vezes, a experiência sensorial (música, dança, cenário) é tão importante quanto a trama. – Pode se concentrar em temas universais, metáforas ou reflexões filosóficas. – Costuma desafiar o formato tradicional dos book musicals, inovando na estrutura. Exemplos: Cats, Company e A Chorus Line.
Highlight ✨
Golden Age (Era de Ouro)
Musicais criados entre 1940s–1960s. Período em que o musical integrado se consolidou, com canções, dança e enredo trabalhando juntos para contar a história. Esse formato foi popularizado por criadores icônicos como Rodgers & Hammerstein, Lerner & Loewe e Leonard Bernstein, que elevaram o gênero com narrativas envolventes e músicas sofisticadas.
– Histórias românticas, heroicas ou inspiradoras, muitas vezes com mensagens otimistas. – Músicas orquestradas, ricas em melodia e harmonias tradicionais. – Letras que impulsionam o enredo e aprofundam os personagens. – Produções clássicas e marcantes que definiram o padrão do teatro musical modern
Oklahoma!, My Fair Lady, West Side Story, A Noviça Rebelde, Guys and Dolls, Kiss me Kate, Funny Girl
Funny Girl (Golden Age)
De forma complementar, no Brasil os musicais também podem ser classificados de acordo com sua origem. Podemos diferenciar entre versões traduzidas de musicais estrangeiros e musicais originais nacionais:
Musicais Versionados
São espetáculos originalmente criados no exterior que foram traduzidos e adaptados para o Brasil, mantendo as músicas, o enredo e o estilo da produção original.
– Tradução e adaptação das letras e do roteiro para o português. – Produções licenciadas oficialmente, respeitando os direitos autorais. – Algumas adaptações podem incluir referências culturais brasileiras para melhor conexão com o público. – Montagens seguem o padrão técnico e artístico das produções internacionais. Exemplos: Wicked, Meninas Malvadas, Mamma Mia!, o Rei Leão.
Tarsila, a Brasileira (produção original nacional)
Musicais Originais Nacionais
São espetáculos criados e desenvolvidos no Brasil, com roteiro, músicas e encenação originais. Esses musicais podem explorar temas brasileiros ou universais, muitas vezes refletindo a cultura e a identidade nacional.
– Enredo e músicas compostos originalmente em português. – Elementos culturais brasileiros, como ritmos nacionais (samba, bossa nova, MPB, funk, sertanejo). – Podem ser inspirados em histórias reais, figuras icônicas ou temas contemporâneos. – Alguns se tornam sucessos e são exportados para outros países.
Exemplos: Ópera do Malandro (Chico Buarque), Elis, A Musical, Tarsila, Dom Casmurro, Martinho, Donatello.
Uma coisa interessante, é que normalmente musicais Broadway/West End tem uma estrutura quase que fixa. Aquele formato que comercialmente funciona muito bem, e que as versões precisam seguir quase a risca. Musicais nacionais tendem a ter duas coisas a seu favor: – Podem explorar novos caminhos na produção. Normalmente vemos uma exploração maior de alternativas de cenários, caracterização dos personagens e construção de cenas. Pra ser justo, muitas vezes isso é quase forçado por restrições de orçamento, mas muitas vezes tem resultados maravilhosos. – Possuem o idioma a seu favor. Em uma adaptação o texto já está escrito, e ele precisa seguir a sonoridade da música já construída. Versionistas precisam buscar formas não só de traduzir, mas de assegurar que mesmo sendo um idioma muito diferente do original, a emoção e mensagem da música são transmitidas. Produções originais conseguem explorar mais a fundo o idioma, pois as canções já são construídas em português.
Martinho, Coração de Rei. Musical original brasileiro (também um jukebox por usar músicas do Martinho)
Dá pra encontrar diversas outras classificações como rock musical, musical de esquete (ou Revue Musical), adaptações, Disney-style, thriller, comédia, biográficos, operettas, e até ópera. Na prática, existem diversas formas de classificar musicais, entre períodos, tamanhos de produção… O principal é reconhecer que cada musical tem sua própria identidade e impacto, seja em sua forma inovadora, no modo como a música se integra à história ou na experiência que proporciona ao público. Mais do que encaixar um musical em uma definição rígida, o mais importante é apreciar sua arte e o que ele tem a dizer.
Nova série na página! Vamos explorar o universo dos musicais e entender o que faz cada produção brilhar. Aqui, o foco é em você, que assiste da plateia e ama absorver cada detalhe, mesmo sem ser um especialista. O objetivo é falar do básico que ajuda a perceber o que torna cada espetáculo tão especial – porque, no fim das contas, é a plateia que transforma o trabalho no palco em algo mágico. E para começar, nada mais essencial do que responder à pergunta: o que é um musical?
Eu gosto muito da definição do Seth Rudetsky: “A maioria dos musicais tem música, letras, um livreto (o roteiro ou libreto) e dança. E as músicas geralmente avançam o enredo. Você pode encontrar variações e exceções a essa regra, mas essa é a resposta básica. Um musical combina cenas, músicas e danças para contar uma história.”
Por que essa definição é tão interessante? Especialmente pelos termos “a maioria” e “geralmente”, que mostram como o formato dos musicais é flexível. Enquanto a essência do gênero se mantém, algumas produções ousam inovar, experimentando novas formas de conectar texto, música e performance.
E aqui está a magia: em um musical, cada elemento conta uma história. Seja o texto, figurino, visagismo, coreografia, cenografia ou iluminação, tudo precisa se integrar para dar vida aos personagens e avançar a narrativa. É essa união que faz o musical ser tão impactante: cada detalhe, por menor que pareça, é pensado para nos transportar, emocionar e fazer a história ser inesquecível.
Um pensamento que sempre gosto de levar comigo é: “como isso contribui para avançar a história?”. Essa pergunta nos ajuda a enxergar o propósito de cada escolha artística. Seja uma música que revela emoções profundas, uma coreografia que simboliza tensões ou um figurino que define um personagem, tudo está ali por uma razão.
Nesta série vamos desvendar como cada elemento de um musical – da música ao figurino, da coreografia à iluminação – se conecta para criar algo único e inesquecível. Vamos juntos entender como esses detalhes transformam uma produção em uma experiência mágica para quem assiste.
Um musical com força histórica e bela estética – Nossa História com Chico Buarque encanta com uma trama bem construída ao longo das gerações e uma iluminação marcante, mas sua transição entre cenas e músicas nem sempre flui de forma natural.
Nossa História com Chico Buarque parte de uma premissa interessante: acompanha três gerações de uma mesma família, unidas por um romance central. A trama se desenrola desde o período da ditadura militar até 2022, abordando o contexto político e seus impactos naquele núcleo familiar. Esse recorte traz momentos bem construídos e relevância histórica, o que é um dos pontos fortes da produção.
O cenário é funcional e bem pensado, sem excessos. A banda ocupa uma estrutura ao fundo do palco, aparecendo mais como silhuetas do que como elementos visuais diretos. A luz, por outro lado, tem um papel fundamental na construção das cenas, criando atmosferas e transições marcantes. O desenho de luz é muito bom, resultando em belas composições visuais. No geral, a iluminação é mais interessante do que se vê na maioria dos musicais.
O elenco tem excelentes artistas que se destacam ao interpretar diferentes personagens ao longo da linha do tempo. A caracterização é feita de forma sutil, principalmente através do figurino e mudanças simples, como prender ou soltar os cabelos. Além disso, há um revezamento entre os atores: uma mesma intérprete pode viver a mãe em um momento e, na geração seguinte, assumir o papel da filha, enquanto outra atriz se torna a mãe mais velha. Embora essa escolha tenha sua lógica artística, em alguns momentos pode gerar certa confusão, já que a ausência de uma caracterização mais marcante pode dificultar a diferenciação entre os personagens.
Agora o mas… A história é bem escrita e cativante, e as músicas são executadas com excelência. A combinação entre solos, duetos e coros deixa a trilha sonora rica e dinâmica. Mas… a transição entre cenas e músicas nem sempre flui de maneira natural. Há momentos em que a peça parece oscilar entre uma peça e um show, com alguns diálogos que parecem quase forçar a entrada de uma canção.
O musical não entrou para a minha lista de recomendações. É uma boa produção, só não acredito que funciona pra todo mundo. Se você gosta de Chico Buarque, ou a premissa da história te chama a atenção, há grandes chances de você adorar o espetáculo. Se não, talvez não seja pra você.
Ray é uma produção única que explora de forma criativa a vida e o legado de Ray Charles. A produção surpreende com um roteiro bem construído e interessante, e conta com um excelente elenco. O resultado é um espetáculo inovador que encanta pela simplicidade e originalidade.
Ray é uma produção que foge do óbvio, com uma construção criativa e uma execução que surpreende pela autenticidade. Logo nos primeiros minutos, você percebe que está diante de algo diferente. Enquanto eu assistia, pensei: “Isso merecia uma taça de vinho para acompanhar.”
Inspirada em um livro biográfico, a história começa dias após a morte de Ray Charles, com seu espírito visitando seu filho, que também se chama Ray. O palco se transforma em um espaço de troca entre eles e o público, com narrativas que revelam momentos marcantes da vida de Ray Charles e os desafios de suas relações familiares.
A produção aposta em dois recursos que costumam fazer sucesso: a quebra da quarta parede e o teatro como tema dentro do próprio roteiro. Em diversos momentos, os atores conversam diretamente com a plateia, criando uma conexão espontânea. Antes mesmo do espetáculo começar, o elenco já está em cena, interagindo de maneira descontraída com quem vai chegando. Há até uma hora em que a cortina do fundo é levantada, revelando a Faria Lima. A produção entra em cena pra mover os elementos cênicos. Tudo acontece de forma tão natural que dá um charme especial à experiência, fazendo com que ela se destaque pela autenticidade.
O elenco é ótimo, os figurinos são pensados nos mínimos detalhes e, embora não haja coreografia, a direção de movimento dá ritmo e vida às cenas. Mas o verdadeiro destaque vai para o cenário: estruturas cinzas, que mais parecem enormes blocos de espuma, transformam-se em diferentes ambientes de forma quase simbólica. É simples e, ao mesmo tempo, genial.
No lugar das tradicionais instalações para fotos, o hall apresenta uma pequena exposição de arte com obras cuidadosamente selecionadas sobre Ray Charles. É um detalhe inesperado que amplia a experiência.
Pois bem, vá! Vale muito a pena, especialmente por ser diferente… Adoro quando vejo uma produção e penso “isso é novo”.
