O teatro está em formato arena, com a plateia distribuída nos quatro lados do palco. Não há lugares marcados: ao entrar, você recebe uma carta que indica o setor, o que ajuda a organizar um pouco, mas não elimina aquele clássico “tem alguém aqui?” ou “tem dois lugares aí?”.
Enquanto a platéia se acomoda, o elenco já está em cena. A música ambiente nesse momento cria um clima curioso — lembra um suspense sci-fi. Enquanto o público encontra seus lugares, pequenas cenas acontecem em paralelo. Em uma delas, alguém da produção oferece chá para a plateia. Um gesto simples, mas que aproxima. Infelizmente, o chá acabou antes de chegar onde eu estava.
A produção me surpreendeu. É uma experiência sensorial, cuidadosamente pensada.
A narrativa usa o livro de Alice no País das Maravilhas como metáfora, reinterpretando passagens conhecidas da obra para contar uma história profunda com temas sensíveis. Os momentos em “Wonderland” ajudam a suavizar o enredo, criando uma camada poética e complexa ao mesmo tempo.
A cenografia é minimalista, mas inteligente e bem construída. A iluminação — apesar de limitada pela estrutura do teatro — contribui para criar atmosferas marcantes.
O detalhe: o formato arena faz o elenco sempre se mover para ser visto por todos os lados. Por vezes isso formava sombras no rosto do elenco, o que dificultou um pouco a leitura das expressões.
Mas o que realmente se destaca é o movimento. As coreografias são bem construídas e ajudam a dar vida ao país das maravilhas. Para além da dança, há um cuidado constante com o gesto, o deslocamento, a intenção. A movimentação cênica se alia à dramaturgia de forma natural, e o resultado é uma narrativa que prende tanto pela estética quanto pelo conteúdo.
Um destaque especial vai para a cenografia do teto: uma instalação feita com livros que impressiona pela delicadeza e simbolismo. Um detalhe que pode passar despercebido, mas que enriquece ainda mais a experiência.
Apenas 90 minutos, com um valor de ingresso mais acessível do que outras produções. Vale super a pena.
Coreografia e direção de movimento no teatro musical: o que é, por que importa e como reconhecer um bom trabalho
Se você ama teatro musical — ou está começando a se apaixonar — talvez já tenha se perguntado: “como conseguem fazer tudo aquilo parecer tão natural no palco?”
A resposta não está apenas no canto e da atuação. Está também no movimento. No jeito como os personagens dançam, ocupam o espaço, se movem. Tudo isso é (ou deveria ser) intencional, e dois elementos ajudam a construir esse resultado: a coreografia e a direção de movimento.
Quando falamos de coreografia, muita gente pensa logo em grandes números de dança, passos difíceis, giros e saltos impressionantes. E sim, isso faz parte — mas no teatro musical, a coreografia vai muito além da técnica.
A coreografia em um musical é uma ferramenta narrativa. Ela está ali para contar uma história com o corpo, para expressar o que palavras ou músicas, sozinhas, não dariam conta de dizer. A dança tem o potencial de emocionar tanto quanto a canção.
Uma boa coreografia é pensada a partir da cena, dos personagens, do momento emocional daquela parte do espetáculo.
Por exemplo: – Uma dança mais solta e alegre pode mostrar liberdade ou paixão – Um movimento rígido e repetitivo pode representar opressão, controle ou conflito – Uma coreografia marcada por gestos contidos pode sugerir tensão, medo ou desejo reprimido
Além disso, a coreografia dialoga com os outros elementos do palco: a música, o cenário, a luz e até o figurino. Tudo precisa funcionar em conjunto. É comum que, em certos momentos, a coreografia esteja presente até em detalhes pequenos — como um simples andar em grupo que, quando bem ensaiado, já comunica uma sensação coletiva.
Ou seja: a coreografia não é só dança. É linguagem. É dramaturgia. É emoção coreografada.
Agora, vamos falar sobre algo mais discreto, mas igualmente essencial: a direção de movimento.
Diferente da coreografia, que trabalha com música e ritmo, a direção de movimento cuida de como os corpos ocupam o palco quando não estão dançando. Isso inclui gestos cotidianos, posturas, deslocamentos, expressões físicas e tudo aquilo que constrói a presença cênica dos personagens.
Parece simples, mas faz uma enorme diferença. A forma como um personagem caminha, senta, respira, olha para o outro, segura um copo ou se posiciona em cena pode reforçar ou contradizer o que está sendo dito com palavras.
Esse trabalho ajuda o elenco a encontrar coerência física. Por exemplo: – Um personagem idoso pode ter um movimento mais lento e cuidadoso, mesmo que seja interpretado por um ator jovem – Uma figura poderosa pode não precisar se mover muito — sua postura já impõe respeito – Já um personagem inseguro pode ocupar menos espaço, evitar contato visual, mover-se de forma hesitante
Além disso, a direção de movimento atua nas transições entre cenas, ajudando a conectar os momentos de forma fluida. Muitas vezes, é ela que transforma o simples ato de atravessar o palco em algo expressivo, com intenção.
É importante também diferenciar direção de movimento da direção geral de uma peça. O diretor (ou diretora) cênico é responsável por toda a visão artística do espetáculo: ritmo, marcações, interpretações, transições, estética e mais. Já a direção de movimento foca exclusivamente no corpo dos atores em cena — nos gestos, posturas, dinâmicas e fisicalidade. Em algumas produções maiores, essas funções são bem separadas, com profissionais diferentes cuidando de cada aspecto. Mas em muitas outras, especialmente em montagens menores ou com menos recursos, o próprio diretor acumula esse olhar corporal, ou essa dimensão é explorada de forma mais intuitiva com o elenco. Ainda assim, quando há alguém focado só no movimento, é possível perceber um refinamento físico maior e uma consistência corporal ao longo de toda a peça.
Essa camada é tão bem integrada que o público quase nunca percebe conscientemente. Mas sente. Sente que há algo verdadeiro acontecendo ali. E essa verdade corporal é construída com cuidado, gesto por gesto.
Como identificar uma boa coreografia (mesmo sem ser especialista)
Você não precisa ser bailarino ou coreógrafo para reconhecer quando a coreografia está funcionando. Preste atenção em alguns sinais:
– A dança faz sentido dentro da história (não parece colocada só “pra enfeitar”) – Os movimentos dizem algo sobre os personagens ou o momento da cena – O ritmo e a energia estão conectados à música e ao que está sendo cantado – Você sente emoção ou entende algo novo, só observando os corpos no palco
Uma boa coreografia não rouba a cena — ela a completa.
Por que tudo isso importa?
No teatro musical, nada é por acaso. Tudo é pensado para servir à história: o figurino, a luz, a música, o silêncio… e, claro, o movimento.
A coreografia dá intensidade. A direção de movimento traz fluidez e verdade. E juntas, elas fazem o espetáculo ganhar corpo — literalmente.
Mesmo quando ninguém está cantando, o musical continua contando sua história. Com gestos, com respiração, com presença. Porque no teatro musical, o corpo também fala.
Se você gosta de entender o que faz um espetáculo funcionar, comece a reparar nos movimentos além das coreografias. No deslocamento entre as cenas. No jeito como os personagens param no palco. Nos gestos pequenos, mas cheios de significado.
Você vai ver que tem muita coisa acontecendo ali — e quase ninguém repara. Mas quem ama o teatro de verdade, aprende a ver.
Na “prática”…
Hairspray, You Can’t Stop the Beat
Na cena final de Hairspray Live!, com a música You Can’t Stop the Beat, tudo começa com a Tracy sozinha em papel protagonista. Aos poucos, outros personagens vão se juntando a ela, até que o palco inteiro se enche — em um movimento que espelha exatamente o que ela provoca na história: união, transformação e quebra da segregação. Os corpos acompanham essa virada. A dança é vibrante, marcada, cheia de energia, mas também cheia de intenção. Cada passo, cada aproximação, cada ocupação de espaço conta uma parte da narrativa. No fim, todos dançam juntos, lado a lado, e o movimento coletivo deixa claro, sem precisar dizer nada: algo mudou. A dança e a movimentação em cena não estão ali só para entreter — elas contam a história com o corpo, e fazem isso de forma direta, emocionante e impossível de ignorar.
O Mágico di Ó se destaca pelo seu texto envolvente, que explora o poder das palavras e homenageia o cordel. A produção é simples, mas bem executada, com uma direção impecável e um elenco talentoso.
Boas produções sempre têm algo que chama a atenção—pode ser a complexidade vocal das canções, um cenário bem elaborado ou coreografias complexas. Em O Mágico di Ó, o grande destaque é o texto (ou livreto, ou a junção de letras e diálogos, como quiser chamar). Ele explora o poder das palavras e da linguagem, provocando emoções e divertindo. Ao mesmo tempo, faz uma bela homenagem ao cordel, esse belo pedaço da nossa cultura cultura tão rico quanto pouco lembrado.
O Mágico di Ó é uma ótima opção para toda a família. Apesar de inspirado na história infantil, traz uma roupagem diferente que entretém as crianças e, ao mesmo tempo, oferece reflexões e diverte os adultos.
O cenário, embora simples, cumpre bem seu papel, enquanto figurino e visagismo se destacam—sobretudo no uso da maquiagem que remete ao traço característico do cordel.
A direção também merece menção: mesmo com recursos limitados de luz e um cenário enxuto, os artistas interpretam, cantam, movimentam elementos de cena e até tocam instrumentos, tudo de forma bem orquestrada e com propósito. É um trabalho que surpreende pela harmonia e pela forma como cada detalhe é pensado.
Gostei tanto do texto que acabei levando o livro para casa. O elenco é incrível, a produção é simples, mas bem construída. Só vai e me agradece depois.
Uma Babá Quase Perfeita é o tipo de musical que aquece o coração e entrega um final que, embora não seja de conto de fadas, parece na medida certa. A premissa da história pode ser absurda, mas o roteiro trata de conflitos e dilemas comuns no dia a dia, o que facilita o envolvimento com a história.
Normalmente não sou fã de textos adaptados, costumo ter a sensação de não ser tão natural quanto em obras originais em português. Não senti isso em Uma Babá Quase Perfeita. Acredito que seja o efeito combinado da produção não ter músicas icônicas super conhecidas, aliado a um ótimo trabalho de versão.
A coreografia impressiona, muito bem construída e executada. Algumas cenas possuem um “caos” organizado que traduzem bem o clima do momento. Porém, na cena do lançamento da marca de roupa, embora seja divertida, me causou uma estranheza leve: a protagonista exibe uma habilidade de ballet que não condiz muito com a construção da personagem até ali. Só preciosismo, não impacta a história, mas me chamou atenção por não ser algo sugerido na narrativa.
Um grande destaque é o cenário, que apresenta diversos ambientes cuidadosamente planejados, cada um repleto de detalhes que enriquecem a narrativa.
Na sessão que assisti a iluminação não estava totalmente afinada…os focos pareciam um pouco fora de lugar em algumas cenas. Nada que estrague a experiência, mas reduziu um pouco do impacto visual.
Os figurinos seguem uma proposta bem cotidiana, quase imperceptível de tão bem resolvidos. Há inúmeras trocas de roupas, e sempre muito interessantes apesar de serem “comuns”.
No geral, Uma Babá Quase Perfeita diverte, emociona e desperta aquela nostalgia gostosa do filme que todo mundo ama. Super recomendo e está na minha listinha de “Top em Cartaz”.
Wicked é cativante. Possui uma narrativa envolvente, contada através de uma produção grandiosa. O cenário impressiona por sua complexidade e riqueza de detalhes. Entre coreografias dinâmicas, figurinos bem construídos e um elenco maravilhoso… É uma parada obrigatória para todo amante de musicais.
Impossível não amar Wicked. A história é linda, atemporal, divertida e ainda faz você refletir. Em cartaz há mais de 20 anos na Broadway, chega agora à sua terceira temporada no Brasil, a produção continua evoluindo e conquistando o público.
A produção é rica em detalhes: é perceptível como tudo foi cuidadosamente planejado e executado. Geralmente, as produções sempre tem algum elemento onde apostam em algo “simples, mas bem feito”. Já em Wicked, tudo é complexo, dinâmico e perfeitamente alinhado, transformando o musical em uma experiência única.
A única parte que me desagradou foi a projeção do Mágico. Em outras produções, ele surge como uma cabeça gigante que transmite aquela sensação de algo mecânico e pouco natural. Nesta versão, o Mágico é projetado em tons alaranjados sobre uma estrutura cinza arredondada, por algum motivo me lembrou o Zordon de “Power Rangers”. Foi a única escolha de cenário que achei discutível, especialmente por ser um elemento tão central (mesmo aparecendo por pouco tempo). Em contrapartida, vale destacar como o palco traz duas grandes estruturas laterais para representar Shiz e Oz, tudo muito bem construído, contribuindo para a grandiosidade da montagem.
No geral, Wicked está maravilhoso e imperdível pra qualquer fã de musical. Especialmente, é uma produção que vale a pena não apenas ser vista, mas ser apreciada. Os cristais iluminados na árvore, os detalhes do cenário de Oz, a estampa do uniforme de Shiz, o dinamismo da coreografia. A temporada é curta para uma produção desse porte, então vale a pena garantir seus ingressos antes que acabem.
Para quem adquiriu o ingresso esmeralda, há um tour guiado de cerca de 10 minutos pelo palco antes do início do espetáculo. São grupos pequenos e a experiência permite ver de perto detalhes do cenário que não são visíveis da plateia, mas não é permitido fotografar ou filmar.
Logística: chegue cedo para evitar transtornos. Tem fila pra tudo, a maior segredo a do programa de fidelidade. Ingresso esmeralda é “liberado” após o tour, ou seja, se você estiver no fim da fila esmeralda, terá pouco tempo no saguão antes do espetáculo. Se planeje!!
Meninas Malvadas supera as expectativas em todos os aspectos!! Os cenários são inovadores e o uso de telões acrescenta ainda mais energia à trama. Cada personagem brilha sem cair em estereótipos, trazendo muito humor e dinamismo ao palco. É uma produção moderna que mantém a essência divertida e crítica de Tina Fey. É uma experiência obrigatória para fãs de musicais e de Meninas Malvadas!!!
Meninas Malvadas é uma das melhores adaptações que já vi. Isso é resultado de diversos fatores, mas destaque para cenário e elenco. Foi a primeira vez em que não vi o enorme espaço do Teatro Santander “engolir” uma produção de alguma forma.
Tudo no espetáculo está muito bem feito, mas o que me chamou mais atenção é o cenário. Cada elemento foi construído com cuidado, e a movimentação dos elementos no palco aumenta o efeito dramático das cenas. Uma novidade interessante em Meninas Malvadas é o uso do videos como parte integral da cenografia. O fundo do palco é uma enorme tela de alta resolução, criando uma dinâmica diferente e envolvente. E, já que o texto aborda também o universo das redes sociais, a projeção dos vídeos traz uma camada adicional que complementa as cenas no mundo “real”, permitindo mostrar claramente os impactos dos acontecimentos no ambiente digital.
Os vídeos são muito bem desenvolvidos, destacando-se em diferentes momentos da peça: da casa ao colégio, incluindo ainda animações em cartoon ou vídeos com estilos próprios. Tudo isso contribui diretamente para dar mais contexto e profundidade à narrativa. (Adicionei uma imagem extra com foco no cenário)
Confesso que esperava uma coreografia mais elaborada, mas, em compensação, a direção de movimento geral surpreende. Tanto o elenco quanto os elementos cênicos se encaixam perfeitamente, tudo no timing certo.
O elenco impressiona pela diversidade e pela qualidade de interpretação. Dá realmente para sentir o ambiente de um colégio ganhando vida no palco. Para quem ama o filme original de Meninas Malvadas (e especialmente do filme musical de 2024), essa montagem se mostra fiel ao humor característico de Tina Fey e traz essa assinatura para o público brasileiro.
Vale destacar também a condução impecável da direção. É perceptível o quanto a produção — com todas as exigências de uma obra licenciada e a responsabilidade de trabalhar em um time grande de criativos — conseguiu alcançar uma sincronia rara. Coreografia, figurino, cenografia desenho de luz e demais elementos se fundem sem que você perceba onde termina um e começa o outro. Super recomendo!
A produção encanta visualmente com um cenário que remete ao interior de um piano e silhuetas do Rio de Janeiro. O musical brilha pela integração cuidadosa do espírito da bossa nova em todos os detalhes do musical. Além disso, conta com uma coreografia fluida e figurinos bem construídos que adicionam dinamismo e contexto às cenas.
Assistir Tom Jobim Musical é desfrutar de uma homenagem sincera e bem construída a um grande ícone da música brasileira.
Fui assistir a Tom Jobim com um viés: queria muito gostar. É bom, mas não é “o que eu esperava”, e expectativa gera frustração. Ainda assim, recomendo a experiência… É uma excelente oportunidade de celebrar a história de um dos grandes nomes da música brasileira.
Tom Jobim Musical mostra uma sofisticação discreta, criando uma atmosfera que verdadeiramente reflete a essência da bossa nova. A produção é visualmente atraente e tem vocais belíssimos, ou seja, no geral é uma experiência muito agradável.
Coreografia está irretocável: interessante e bem executada. Sem mais.
O figurino merece destaque pelo cuidado como retrata os personagens e atenção aos detalhes e contexto da época. Chama atenção especialmente o trabalho feito com o figurino do ensemble. Ele adiciona fluidez e movimento às cenas, enriquecendo visualmente toda a experiência do espetáculo.
O Cenário é lindo. Ele possui estruturas de madeira que representam a parte interna do piano, enquanto criam a silhueta da cidade do Rio de Janeiro. Tem uma vírgula: um círculo branco que é usado em projeções de algumas cenas. Confesso que achei desnecessário. As projeções cortam a sutileza das cenas com imagens realistas que quebram a elegância e delicadeza da cena sem adicionar um contexto muito relevante.
Montar um musical sobre músicos é um super desafio, já que as canções originais não foram feitas pensando em uma narrativa teatral. Integrar as músicas de Tom Jobim para contar sua história exige cuidado para respeitar o legado artístico e manter o ritmo narrativo. Dito isso, o roteiro não me envolveu completamente: o primeiro ato, embora bonito, é um pouco monótono. O segundo ato ganha ritmo e é bem mais interessante. Destaque especial para a cena do divórcio, muito bem construída e que mostra claramente como música e narrativa podem caminhar juntas para construir algo único.
No fim, saí do teatro com a sensação de ter vivido uma experiência agradável. Não é a montagem mais impactante que já vi, mas tem muitos méritos e faz jus à grandiosidade de Tom Jobim.
“Tipos de musical”… Parecia algo óbvio e simples, mas entrei em uma espiral sem fim de “por período”, “por estilo”, “deveria incluir opera?”, “tipos não incluem versões, mas é uma distinção importante”. Então vamos fazer um apanhado geral, mas que começar a dar um “norte”, e traz luz a alguns aspectos interessantes a serem observados.
[Alguns] Tipos de Musical 🎭
Book Musicals (Musical de livreto/tradicional)
Musicais que seguem uma estrutura narrativa bem definida, onde as músicas e danças são integradas ao enredo para desenvolver a história e os personagens.
– Estrutura narrativa linear e coesa, semelhante a uma peça de teatro tradicional. – Canções e números musicais impulsionam o enredo e aprofundam os personagens. – Geralmente incluem diálogos falados entre as músicas. – São a base do musical integrado, onde todos os elementos artísticos servem à história.
Exemplos: Les Misérables, Wicked, Dear Evan Hansen
Jukebox Musical
Aqui, as músicas já existem e são famosas antes mesmo do espetáculo ser criado. Geralmente, são sucessos de uma banda ou artista, e o enredo é desenvolvido para encaixar essas músicas.
– Trilha sonora composta por músicas previamente conhecidas. – Pode seguir uma narrativa original ou contar a história real de um artista/grupo. – Apelo nostálgico, muitas vezes voltado para fãs do repertório musical. – Grande foco na performance das músicas, podendo priorizar hits sobre a trama.
Exemplos: Mamma Mia! (ABBA), We Will Rock You (Queen) e Moulin Rouge!.
Moulin Rouge, act 2 scene with Bad Romance from Lady Gaga
Diferente dos musicais tradicionais, onde há alternância entre falas e músicas, nos sung-through musicals quase todo o enredo é contado por meio das canções. O diálogo falado é mínimo ou inexistente, tornando a música o principal meio de narração e desenvolvimento dos personagens.
– Pouca ou nenhuma fala, com a narrativa construída exclusivamente através da música. – Estrutura próxima à ópera, mas com estilos variados, incluindo pop, rock e hip-hop. – Canções interligadas, muitas vezes recorrentes ao longo da trama. – Maior fluidez narrativa, sem pausas abruptas para diálogos convencionais.
Exemplos: Les Miserables, Evita, Hamilton
Hamilton (disponível no Disney+)
Musical Conceitual
Neste tipo de musical, a história pode ser mais abstrata ou não seguir uma narrativa linear. Muitas vezes, o espetáculo explora temas ou conceitos específicos por meio da música e da encenação.
– A história pode ser não-linear ou fragmentada, explorando diferentes perspectivas. – Muitas vezes, a experiência sensorial (música, dança, cenário) é tão importante quanto a trama. – Pode se concentrar em temas universais, metáforas ou reflexões filosóficas. – Costuma desafiar o formato tradicional dos book musicals, inovando na estrutura. Exemplos: Cats, Company e A Chorus Line.
Highlight ✨
Golden Age (Era de Ouro)
Musicais criados entre 1940s–1960s. Período em que o musical integrado se consolidou, com canções, dança e enredo trabalhando juntos para contar a história. Esse formato foi popularizado por criadores icônicos como Rodgers & Hammerstein, Lerner & Loewe e Leonard Bernstein, que elevaram o gênero com narrativas envolventes e músicas sofisticadas.
– Histórias românticas, heroicas ou inspiradoras, muitas vezes com mensagens otimistas. – Músicas orquestradas, ricas em melodia e harmonias tradicionais. – Letras que impulsionam o enredo e aprofundam os personagens. – Produções clássicas e marcantes que definiram o padrão do teatro musical modern
Oklahoma!, My Fair Lady, West Side Story, A Noviça Rebelde, Guys and Dolls, Kiss me Kate, Funny Girl
Funny Girl (Golden Age)
De forma complementar, no Brasil os musicais também podem ser classificados de acordo com sua origem. Podemos diferenciar entre versões traduzidas de musicais estrangeiros e musicais originais nacionais:
Musicais Versionados
São espetáculos originalmente criados no exterior que foram traduzidos e adaptados para o Brasil, mantendo as músicas, o enredo e o estilo da produção original.
– Tradução e adaptação das letras e do roteiro para o português. – Produções licenciadas oficialmente, respeitando os direitos autorais. – Algumas adaptações podem incluir referências culturais brasileiras para melhor conexão com o público. – Montagens seguem o padrão técnico e artístico das produções internacionais. Exemplos: Wicked, Meninas Malvadas, Mamma Mia!, o Rei Leão.
Tarsila, a Brasileira (produção original nacional)
Musicais Originais Nacionais
São espetáculos criados e desenvolvidos no Brasil, com roteiro, músicas e encenação originais. Esses musicais podem explorar temas brasileiros ou universais, muitas vezes refletindo a cultura e a identidade nacional.
– Enredo e músicas compostos originalmente em português. – Elementos culturais brasileiros, como ritmos nacionais (samba, bossa nova, MPB, funk, sertanejo). – Podem ser inspirados em histórias reais, figuras icônicas ou temas contemporâneos. – Alguns se tornam sucessos e são exportados para outros países.
Exemplos: Ópera do Malandro (Chico Buarque), Elis, A Musical, Tarsila, Dom Casmurro, Martinho, Donatello.
Uma coisa interessante, é que normalmente musicais Broadway/West End tem uma estrutura quase que fixa. Aquele formato que comercialmente funciona muito bem, e que as versões precisam seguir quase a risca. Musicais nacionais tendem a ter duas coisas a seu favor: – Podem explorar novos caminhos na produção. Normalmente vemos uma exploração maior de alternativas de cenários, caracterização dos personagens e construção de cenas. Pra ser justo, muitas vezes isso é quase forçado por restrições de orçamento, mas muitas vezes tem resultados maravilhosos. – Possuem o idioma a seu favor. Em uma adaptação o texto já está escrito, e ele precisa seguir a sonoridade da música já construída. Versionistas precisam buscar formas não só de traduzir, mas de assegurar que mesmo sendo um idioma muito diferente do original, a emoção e mensagem da música são transmitidas. Produções originais conseguem explorar mais a fundo o idioma, pois as canções já são construídas em português.
Martinho, Coração de Rei. Musical original brasileiro (também um jukebox por usar músicas do Martinho)
Dá pra encontrar diversas outras classificações como rock musical, musical de esquete (ou Revue Musical), adaptações, Disney-style, thriller, comédia, biográficos, operettas, e até ópera. Na prática, existem diversas formas de classificar musicais, entre períodos, tamanhos de produção… O principal é reconhecer que cada musical tem sua própria identidade e impacto, seja em sua forma inovadora, no modo como a música se integra à história ou na experiência que proporciona ao público. Mais do que encaixar um musical em uma definição rígida, o mais importante é apreciar sua arte e o que ele tem a dizer.
Nova série na página! Vamos explorar o universo dos musicais e entender o que faz cada produção brilhar. Aqui, o foco é em você, que assiste da plateia e ama absorver cada detalhe, mesmo sem ser um especialista. O objetivo é falar do básico que ajuda a perceber o que torna cada espetáculo tão especial – porque, no fim das contas, é a plateia que transforma o trabalho no palco em algo mágico. E para começar, nada mais essencial do que responder à pergunta: o que é um musical?
Eu gosto muito da definição do Seth Rudetsky: “A maioria dos musicais tem música, letras, um livreto (o roteiro ou libreto) e dança. E as músicas geralmente avançam o enredo. Você pode encontrar variações e exceções a essa regra, mas essa é a resposta básica. Um musical combina cenas, músicas e danças para contar uma história.”
Por que essa definição é tão interessante? Especialmente pelos termos “a maioria” e “geralmente”, que mostram como o formato dos musicais é flexível. Enquanto a essência do gênero se mantém, algumas produções ousam inovar, experimentando novas formas de conectar texto, música e performance.
E aqui está a magia: em um musical, cada elemento conta uma história. Seja o texto, figurino, visagismo, coreografia, cenografia ou iluminação, tudo precisa se integrar para dar vida aos personagens e avançar a narrativa. É essa união que faz o musical ser tão impactante: cada detalhe, por menor que pareça, é pensado para nos transportar, emocionar e fazer a história ser inesquecível.
Um pensamento que sempre gosto de levar comigo é: “como isso contribui para avançar a história?”. Essa pergunta nos ajuda a enxergar o propósito de cada escolha artística. Seja uma música que revela emoções profundas, uma coreografia que simboliza tensões ou um figurino que define um personagem, tudo está ali por uma razão.
Nesta série vamos desvendar como cada elemento de um musical – da música ao figurino, da coreografia à iluminação – se conecta para criar algo único e inesquecível. Vamos juntos entender como esses detalhes transformam uma produção em uma experiência mágica para quem assiste.
Uma dessas histórias onde a força da amizade supera qualquer obstáculo, com um toque encantador de brasilidade que cativa o público. O espetáculo se destaca pela explosão de cores, contando com um cenário simples e um roteiro descomplicado. Tem um foco infantojuvenil, mas funciona para todas as idades.
Sonho Encantado de Cordel é uma daquelas coisas que aquecem o coração. Leve, divertida e com uma pureza encantadora. É aquela história gostosa de se ver, o clichê que funciona, onde a força da amizade supera qualquer obstáculo.
O cenário não é muito elaborado, compondo o ambiente com projeções e elementos simples (e com um acabamento que deixa um pouco a desejar). Os figurinos chamam a atenção! São belos, bem elaborados, com exceção do Netuno, que me pareceu um pouco fora do tom. Mas, tirando isso, tudo é bem pensado e construído.
A trama? Uma graça! Acompanhamos Rosa Cordelista em uma jornada ao lado de Hans Christian Andersen, numa espécie de “origem” dos seus contos clássicos. Tem reis, sereias, bruxa má e um reino encantado. Embora seja claramente voltada para o público infantojuvenil, a história cativa qualquer faixa etária.
O que mais me encantou foi a explosão de cores e o dinamismo. A narrativa flui com rapidez, mantendo o interesse com vários núcleos, mesmo sendo um roteiro simples.
E com aproximadamente 70 minutos, o espetáculo é ótimo para quem busca uma experiência divertida sem comprometer o resto do dia.
Agora a pergunta mais complicada… Recomendo para adultos sem crianças? Talvez! Se você é do tipo que ama assistir todos os musicais, vá em frente, vai curtir. Se busca algo leve, rápido, uma distração gostosa com uma história fofinha, também vale a pena. Mas, se está esperando um musical “tradicional” ou uma trama mais complexa, esse talvez não seja o espetáculo ideal para você.
Trecho da Sinopse A história gira em torno de Rosa Cordelista, uma jovem determinada que, apesar da desaprovação de sua mãe, sonha em se tornar uma grande cordelista. Movida pela força de sua imaginação, Rosa é transportada em um sonho mágico para um universo encantado, onde encontra o lendário Hans Christian Andersen. Juntos, eles embarcam em uma jornada emocionante, repleta de personagens míticos dos contos de fadas do autor.
